CACT

11 October - 07 December 2008

OPENING_Saturday 11 october 2008 at 5-30 pm

HOURS_Fri-Sat-Sun 2.00-6.00 p.m. (or by appointment)

The series of 68 black and white photographs of various dimensions entitled DARK MOVIES (2007) in room 1 opens the personal show of BOHDAN STEHLIK and UNA SZEEMANN (1973, 1975) at the CACT – Centre of Contemporary Art in Canton Ticino. Hung randomly in the first room, like an accumulation of crazily dancing still shots, this work comprises a veritable introduction to the exhibition’s theme, but also the exemplary, successful genesis of the work done by this artistic duo since they got together in about 2006. DARK MOVIES actually provides the interpretative key that automatically opens the doors to all the rooms in the exhibition, a key around which Stehlik and Szeemann decided to develop a joint effort that questions artistic languages from a point of view both of theme and of semiology. Pairing with the 68 photographs are 68 titles of international masterpieces of the silver screen, from which the artists drew their inspiration, for each of them reconstituting the set of a scene, inserting the film’s characters, skilfully reproduced by the artists in plasticine, in the sets. Black and white is used as a mnemonic element of classical film. The result is a highly symbolic reconstruction that can be traced back to today’s bipolar Situationism, suspended midway between reality and dream, between reality and truth, intended as the awareness of a life that has not been consumed by experience: the timeless gap that we find in Bohdan Stehlik’s previous work, in unison with Una Szeemann’s quest for historical certainty [which we also find, for example, in earlier film works such as MONTEWOOD HOLLYVERITA' (2003)] and a sort of evanescent reinterpretation and relationship with the real world.

There is a certain tragic splendour to the 6’40” video on three synchronised channels entitled FADED MAJESTY (2007) screened in room 2. Maybe ironically, but not without moments of considerable pathos, it reiterates the backdrop of a typically Western world and thought. The locations are bathed in a shadowy light, indicating the sense of abandonment and perdition of man who has broken free of the steady, reassuring march of time; otherness is expressed by the presence of white deer, the sole, vivid surviving truth in a world abandoned by humanity and by its vain progress. The force and grace expressed by these survivors of evolutionism emanate all the more splendour, the more extraordinary is their uniqueness and their regal, fantastic otherness compared to the world, to the model and to customary habit; to the concept of categorisation that – here – gradually sheds all historical and trivially societal meaning. In a post-industrial, technological fabric, where the concepts of beauty, surfeit, aestheticisation and dictatorship of the object with the certainties, of the machine for its own sake, this is where Stehlik and Szeemann’s deer acquire a visionary – as well as a realistic – dimension. Uttering a warning, a silent, strangled cry, like in a fairy story, they take the observer back inside a dreamy potentiality, occupying a space somewhere between dream and reality, between beauty and tragedy, between modernity and tradition in vanity: between the force of life and the awareness of death.

In room 3, visitors can see the interactive installation work UNTITLED (2008), whose signal dimension is sheer simplicity. A series of plaster balloons strung at random from the ceiling: an installation that manifests its strength in terms not of the – already mentioned – simplicity of its linguistic media, but of the expression of antagonism between two opposing concepts; inside and outside, lightness and oppression, reality and escapism, before and after, reality and pretence. The discourse unfolds here around a dramatic suspension in time, whose purpose is to celebrate an unhealthy, lethal world of illusions and missed Utopias, of microscopic childish dreams. So once again Stehlik and Szeemann work to superimpose and blend their reciprocal topics of research, in such a way that the deep, obscure (auto)biographical aspects of which I am so fond come to the surface.

NEVER EVEN (2008), screened in room 4, is an HD video made entirely in Rome, the eternal city, the cradle of European civilisation and of a humanity that never dies, because it is forever starting all over again, forever ceaselessly. And the same goes for this video, which is edited without any apparent beginning and end. Once again, the benchmarks of style refer to film [vaguely to horror films, because of the sense of pathos that is generated here, the cuts, the fine photography, the editing and its suspensions in time], where the two characters – a young woman and a mature man [father and daughter?] – wander around the capital, strangely pursuing one another; we could surmise that this is a victim and her assassin, pursuing the female figure to the point of her hypothetical strangling. Hypothetical, as the death of the young woman, who never actually appears to die, is an enigma for observers to solve in the process of making their interpretations. The references to thrillers, a tangible sense of suspense in the sequence of the narrative and an intelligent descriptive soundtrack (Domenico Ferrari) make this video intriguing from the point of view of a psychological crossword puzzle, without neglecting the usual references to relations with history [the male character’s almost paternal figure, supported by a latent sense of nostalgia], the relationship between reality and pretence, between dream and hallucination, in the scope of an extenuating description of pernicious conflict.

The series of smaller works entitled INVITED NEVER TO RETURN (2008) in room 5 is actually a collage of overlapping photographic images of swans, torn roughly from their origins and pasted onto other photographic backgrounds, whose themes conjure up scenarios of war and of urban guerrilla warfare. The end of human civilisation, which confronts the two swans – symbolically signifying the indissoluble, pure love between two living beings – leaves no doubt whatsoever about the vision of the future. The act of Love represented by the animals is a mirage, supported among other things by the technique of colour photography; a simple shift to the tone of sepia. A pale grey of hope; a drop in the ocean of Dionysiac, contemporary dynamism.

La serie composta da 68 fotografie, in bianco e nero, titolata DARK MOVIES (2007) nella sala 1, dimensioni variabili, apre la personale di BOHDAN STEHLIK/UNA SZEEMANN (1973, 1975) al CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino. Allestite nella prima sala at random, come tanti fotogrammi danzanti e impazziti, quest’opera costituisce un vero e proprio incipit espositivo tematico, ma anche la genesi emblematica e felice del lavoro di questa coppia d’artisti, costituitasi attorno all’anno 2006. DARK MOVIES, infatti, fornisce la chiave di lettura che apre automaticamente tutte le sale della mostra e attorno cui Stehlik/Szeemann decidono di sviluppare un lavoro comune di rimessa in discussione dei linguaggi artistici, sia da una prospettiva tematica che semiologica. Come detto, 68 sono le fotografie e 68 sono i titoli di altrettanti capolavori del cinema internazionale, cui gli artisti si ispirano, ricostituendo – per ognuna – il set di un tournage, giustapponendo i personaggi del film, da loro abilmente creati in plastilina, alle scenografie. Il bianco e nero come elemento mnemonico del film. Una ricostruzione altamente simbolica, quindi, della memoria storica, riconducibile all’attuale situazionismo contemporaneo e bipolare, sospeso tra realtà e sogno, tra reale e vero, inteso come consapevolezza di un vissuto non consumato dall’esperienza: lo scarto atemporale che ritroviamo nella precedente opera di Bohdan Stehlik, all’unisono con la ricerca di certezza storica di Una Szeemann [che ritroviamo, per esempio, in anteriori opere filmiche come MONTEWOOD HOLLYVERITA' (2003)], e una sorta di vanescente reinterpretazione del mondo reale e rapporto con esso.

Tragicamente splendido è il lavoro video a 3 canali sincronizzati, 6’40’’, FADED MAJESTY (2007) da vedere nella sala 2. Esso ridisegna – fors’anche ironicamente, ma non senza momenti di notevole pathos – la quinta di un mondo e di un pensiero tipicamente occidentali. I luoghi scenografici sono immersi in una luce d’ombra, ad indicare l’abbandono e la perdizione dell’uomo fuoriuscito da un tempo secolare e certo; altrimenti la presenza di cervi bianchi, unica vivida e superstite verità in un mondo abbandonato dall’umanità e dal suo vano progresso. La forza e la grazia di questi sopravvissuti all’evoluzionismo emanano tanto splendore quanto straordinaria è la loro unicità, la loro regale e fantastica alterità rispetto al mondo, al modello, all’abitudine; al concetto di categorizzazione che – qui – perde via via di significato storico e banalmente societale. In un tessuto post-industriale e tecnologico, ove i concetti di bellezza, di assuefazione, di estetizzazione e dittatura dell’oggetto con le sue certezze, della macchina fine a se stessa, ecco che i cervi di Stehlik/Szeemann assumono quella dimensione visionaria e non solo realistica. Un monito, un grido silente e strozzato, come in una favola essi riconducono lo spettatore anche all’interno di un possibilismo onirico, collocandosi tra sogno e realtà, tra bellezza e tragedia, tra modernità e tradizione nella vanità: tra potenza della vita e consapevolezza della morte.

Nella sala 3, è visibile l’opera, a carattere installativo interattivo, SENZA TITOLO (2008), semplice nella sua dimensione segnica. Una serie di palloncini in gesso appesi casualmente al soffitto: un intervento che manifesta la sua forza, non già per semplicità – come detto – dei mezzi linguistici, quanto per l’espressione di antagonismo tra due concetti opposti; dentro/fuori, leggerezza/oppressione, realtà/evasione, prima/dopo, realtà/finzione. Il filo del discorso si srotola attorno ad una drammatica sospensione temporale, a festeggiare un insalubre e mortifero mondo delle illusioni e delle utopie mancate, dei microscopici sogni infantili. Ecco che ancora insieme, Stehlik/Szeemann sovrappongono e fondono i reciproci temi di ricerca, facendone riaffiorare gli aspetti (auto)biografici profondi e oscuri a me tanto cari.

NEVER EVEN (2008), proiettato nella sala 4, è un video HD interamente realizzato a Roma; città eterna, culla della cultura europea e di un’umanità che non muore, perché sempre ricomincia, e da sempre senza sosta. Così il video, montato senza alcun apparente inizio e fine. Anche in questo caso, i riferimenti stilistici sono quelli del film [vagamente dell’orrore per il pathos che vi si crea, i tagli, la bella fotografia, il montaggio, e le sue sospensioni temporali], ove i due protagonisti – una giovane donna e un uomo maturo [padre e figlia?] – si aggirano per la capitale, in un loro strano rincorrersi; si potrebbe presumere tra vittima e carnefice, fino all’ipotetico strangolamento della figura femminile. Ipotetico, poiché la morte della giovane, che sembra non decedere mai, è per lo spettatore un enigma da risolvere nella sua azione interpretativa. I riferimenti al thriller, una notevole suspense nel susseguirsi del narrato, nonché un intelligente sonoro descrittivo a firma di Domenico Ferrari, ne fanno un video intrigante dal punto di vista del cruciverba psicologico, non senza i soliti riferimenti al rapporto con la storia [la figura quasi paterna del protagonista maschile, sostenuta da un latente sentimento di nostalgia], la relazione realtà/finzione, sogno/allucinazione, entro un’estenuante descrizione di perniciosa conflittualità.

La serie di piccole opere titolate INVITED NEVER TO RETURN (2008) della sala 5 sono, in realtà, la sovrapposizione in forma di collage di immagini fotografiche di cigni malamente strappate e incollate su fondali anch’essi fotografici, i cui temi rimandano a scenari di guerra o di guerriglia urbana. La fine della civiltà umana, con cui i due cigni – a significare simbolicamente l’amore indissolubile e puro tra due esseri viventi – sono confrontati, non lascia alcun dubbio attorno alla visione del futuro. L’atto di Amore rappresentato dagli animali è un miraggio, suffragato anche dalla tecnica della fotografia a colori; un semplice viraggio alla tonalità seppia. Un pallido grido di speranza; una goccia nel mare del dinamismo dionisiaco e contemporaneo.